CINE U.S.A.

Asesinato en 8 mm

El pasado domingo ví una peli de mi actor favorito, Nicolas Cage, está realmente bien.
Su papel es de Tom Welles, un detective privado que acude a la llamada de la viuda de un adinerado hombre de negocios en cuya caja fuerte ha encontrado una película de 8 mm. La extrañeza de la mujer por el realista contenido del film, en el que se ve a una chica que es torturada hasta morir, es la causa por la que solicita de Welles que compruebe la autenticidad de la misma.
Esta podría haber sido una gran película, ya que tocaba un tema poco (o nada) tocado por el cine norteamericano comercial, las snuff movies. Lamentablemente un buen inicio finaliza en una nueva versión de "Yo soy la justicia", que si bien no está mal (al menos a mi no me desagrada), no es lo que se espera de una película de estas características, pero el fondo más que la forma está bien,recomendada.

ALEX MELGARES

Corazones en atlántida

La semana pasada pude disfrutar en digital + de este film basada en uno de los cuentos que forman el libro "Hearts of Atlantis". Afortunadamente el guionista William Goldman ha hecho una muy juiciosa adaptación del texto de King, y ha producido una historia sencilla pero de connotaciones profundas, adornada por un tenue velo supernatural que, en la mejor tradición de "The X-Files" (antes de que apestara), subraya y motiva sutilmente las acciones de los personajes sin convertirse en un elemento arbitrario para cubrir las fallas de la trama. Lamentablemente eso no quiere decir que "Nostalgia del Pasado" sea una buena película.

Pero vayamos por partes. La historia (contada en forma de "flashback") narra el encuentro del niño Bobby Garfield (Anton Yelchin) con Ted Brautigan (Sir Anthony Hopkins), un hombre maduro, de misterioso pasado, que por una temporada alquila una habitación en la casa que Bobby y su madre Elizabeth (Hope Davis) comparten. La situación económica no es muy boyante para la familia Garfield; desde que el padre de Bobby los abandonó, Elizabeth ha tenido que trabajar para mantener a su hijo, lo cual ha hecho que Bobby se convierta en un niño ignorado. Entonces, cuando el señor Brautigan se instala en una habitación del piso superior, Bobby encuentra una figura paterna y una guía moral e intelectual que inmediatamente empieza a estimular la imaginación del niño. Pero el señor Brautigan carga consigo un secreto, y vive temeroso de "los hombres bajos". Ese secreto tendrá profundas consecuencias para la familia Garfield, y marcará para siempre la memoria de Bobby.

La historia, simple pero interesante, tiene un ritmo dinámico, a pesar del sobrio tema, y un aura de misterio que es excelentemente utilizada para paulatinamente crear tensión y suspenso. Pero lo que arroja todo por tierra es la horrible actuación de Anton Yelchin como el niño Bobby Garfield. Sé que se trata de un niño, y que no todos pueden ser Haley Joel Osment... no lo culpo por ello; pero el director Scott Hicks debería haber previsto que en la presencia de un titán como Anthony Hopkins, la actuación del niño parecería mucho peor. El efecto que tuvo en mí el pobre desempeño de Yelchin es que toda la emoción que el guión pretende expresar se siente completamente falsa y artificial. Cuando el niño abraza al señor Brautigan no causa simpatía ni congoja, sino irritación... es como el niño al que obligan a abrazar a su abuelo, con toda la naturalidad de obra de teatro escolar. Hay otros niños en la historia (Mika Boorem y Will Rothhaar) y sus actuaciones son competentes y razonablemente creíbles. La madre de Bobby, interpretada por Hope Davis, tiene un papel ingrato pero muy bien actuado. Y desde luego Hopkins tiene un desempeño estelar, a la vez técnico y cálido, sin caer en los excesos de "Hannibal" o en la despreocupada flaccidez de "Legends of the Fall". Lástima que la actuación de Yelchin resta valor al resultado final y deja hueca la película.

"Nostalgia del Pasado" hubiera sido una decente película de suspenso de no ser por el pobre desempeño de su protagonista infantil. Las buenas actuaciones de Anthony Hopkins y Hope Davis no logran rescatar el vacío emocional de la cinta, y aunque el guión está bien escrito y es interesante, no estoy seguro de que baste para mantener el interés. Recomendada sólo para completistas fanáticos de Stephen King y para fieles seguidores de Hopkins. Al resto del público recomiendo mejor rentar "Stand By Me" y dejarse llevar por la honestidad de esa historia.

En resumen, es una película bastante recomendable no ya por el argumento de la misma sino también por la gran interpretación de Anthony Hopkins así como para todos los que leeis a King, un film atrayente.

ALEX MELGARES

El Jurado

Título original: The Runaway Jury
Director: John Grisham
Intérpretes: John Cusack, Rachel Weisz, Gene Hackman, Dustin Hoffman, Jeremy Piven, Bruce McGill, Nick Searcy, Bruce Davison, Bill Nunn, Orlando Jones

-Tema de la peli:«Un juicio es algo muy importante como para quedar en manos de un jurado». Tan contundente sentencia es dicha en la película por Rankin Fitch, el personaje interpretado por Gene Hackman. Esta lacónica pero apabullante frase refleja, en cierto modo, la tesis del film. La cinta nos propone un viaje a los entresijos de la ley en Estados Unidos. Un viaje con destino final a la emblemática institución del jurado. La película está basada en una obra de John Grisham; pinche antes que cocinero, Grisham conoce al dedillo los vericuetos de la justicia norteamericana y deja muy a las claras las deficiencias de el jurado norteamericano, tan susceptible al juego de las manipulaciones. Sus novelas acostumbran a cuestionar las instituciones judiciales estadounidenses, contraponiéndolas a personas que, ante las injusticias y los abusos de poder, velarán por ellas desde un plano individual. La apuesta de Grisham, y que tambíen abraza la película, es la de ofrecer un supuestamente muy inteligente montaje de disimuladas manipulaciones y evidentes extorsiones en el marco de un trepidante thriller judicial.

Tan convencional como entretenido, El jurado se apoya en un elenco de actores de primera línea que aportan seguridad y verosimilitud a lo narrado y en las convenciones del género al que se adscribe. De esta forma, su visionado distrae al espectador a pesar de su previsibilidad. Lo que se podía haber convertido en un apasionante juego de apariencias y manipulaciones acaba siendo un relato simplista y reduccionista, muy alejado del discurso reaccionario que parece querer enarbolar y en el que nunca entra. Film políticamente correcto, El jurado polemiza y debate pero sin llegar a abrir heridas o crear sentencias. Este no es su objetivo.

El guión, como ya señalaba más arriba, no ofrece muchas novedades respecto a otros films de temática judicial. Sigue la historia de un jurado estadounidense en un caso en el que se juega millones de dólares la gran industria armamentística y en cómo puede ser controlado por una serie de mercenarios especializados. El interés de la trama no recae en cual va a ser la sentencia del juicio (en este sentido la película es muy previsible) sino en las relaciones que establecen las partes del litigio con los miembros del jurado, en los invisibles hilos que mueven el guiñol en el que se convierte el juicio y en el poder de las grandes empresas fabricantes de armas. En El jurado podemos encontrar personajes misteriosos que esconden sus verdaderas intenciones, diálogos punzantes y juegos de palabras, giros inesperados de la trama... Todos ellos ingredientes de mercado para elaborar un menú no demasiado complicado extraído de cualquier libro de recetas de cocina. El resultado es un menú del día tan bien cocinado como poco edificante. La película tiene la única pretensión de entretenernos y lo logra, cumpliendo las expectativas alimenticias de cualquier cinéfilo pero lejos de convertirse en una delicatessen o en un plato de referencia.

-Con John Cusack como protagonista, esta es una película que nos acerca al sistema judicial americano y a la industria armamentística de ese país.

La línea argumental parece simple (pero no lo es) y el guión nos ofrece giros espectaculares y sorpresas de última hora. En resumen, una película interesante y que hace pasar un buen rato.

El reparto está completado con viejas glorias de merecido respeto: Gene Hackman, interpretando a un asesor de jurados del consorcio armamentístico. Y Dustin Hoffman, interpretando a un honrado letrado con gran fe en la justicia y en el sistema de jurados norteamericano. Papel que le va al dedillo a Dustin Hoffman, que nos presenta a un personaje con americana de cuadros y cabello alborotado.

John Cusack, por su parte, interpreta al “factor riesgo” del jurado… (no sigo para no desvelar más de la cuenta).

...Y me alegra que por fin John Cusack haya conseguido mantener un papel principal en dos películas seguidas (Identidad, y ésta), ya que este actor, nacido en 1966, siempre me ha gustado.

John Cusack tiene en su bagaje más de 30 películas y está frente las cámaras desde que era un niño. Lo hemos visto en Class (1984 junto a Rob Lowe), en Timadores (1989, dirigido por Martin Escorsese), en El Balneario de Battlecrick (junto a Bridget Fonda, Matthew Broderick, Anthony Hopkins), en Balas Sobre Brodway (1994, dirigido por Woody Allen) y en la película que dio un giro a su trayectoria: Serendipity (2001, junto a Kate Beckinsale); entre muchas otras. Así que creo que se lo tiene bien merecido.

Cusack trabajo en mas de dos peliculas seguidas como protagonista: "tiro al blanco", "alta fidelidad" (¡excelente!), "identidad" (patetica) y esta última "el jurado". y no puedo recordar como se llamaba aquella pelicula en que hace controlador de aviones junto con angelina julie, kate blanchete y bob thorthon(no se si se escribe asi)

Pero volviendo a la película, pienso que realmente dentro de su género, el “thriller legal”, vale la pena verla.

alex melgares

Monster

-Gracias a David por esta crítica de la pelicula

2003 USA. Directora: Patty Jenkins. Productor: Charlize Theron, Mark Damon, Clark Peterson, Donald Kushner y Brad Wyman.Guión: Patty Jenkins.Fotografía: Steven Bernstein. Música: BT. Diseño de producción: Edward T. McAvoy. Dirección artística: Orvis Rigsby. Montaje: Jane Kurson. Duración: 109min. Intérpretes: Charlize Theron (Aileen Wuornos), Christina Ricci (Selby Wall), Bruce Dern (Thomas), Scott Wilson (Horton Rohrbach), Pruitt Taylor Vince (Gene), Lee Tergesen (Vincent Corey), Annie Corley (Donna Tentler), Marco St. John (Evan), Bubba Baker (Cubby), Marc Macaulay (Will Grueser).

-Tema de la peli:Hoy en día, aunque quizás desde siempre, lo llamativo parece ganarle siempre la partida a lo discreto. El trazo grueso se impone al matiz. Esta afirmación puede hacerse extensible a casi todas las vertientes del cine que puede verse mayoritariamente en la salas de todo el mundo. Triunfa lo grandioso, los megaproyectos de varios episodios, una épica asociada a lo monumental, los productos por encima de las películas... En el marco de la actuación, el conflicto planteado se traduce en un desequilibrio a la hora de valorar el trabajo de los actores por parte de alguna crítica y de los jurados y asociaciones que premian esa tarea. Debe ser por apostar sobre seguro, o quizás por comodidad, pero casi cada año nos vemos asediados por una o más actuaciones perfectamente calificables como "de Oscar". Hay películas "de Oscar". Suelen ser películas de grandes presupuestos, apoyadas por alguno de los grandes estudios, que relatan historias épicas y que transmiten algún mensaje, a poder ser optimista, humanista y políticamente correcto (la excepción es American Beauty). Sin embargo, en lo que hace referencia a los apartados de actuación las reglas parecen diferentes. El efecto comercial parece desvanecerse para abrirse a otros criterios. Hay dos modelos que se ajustan a la perfección a un trabajo actoral "de Oscar". El primero sería la gran estrella de Hollywood que una vez alcanzado el olimpo de la fama baja a los infiernos en busca de un papel al margen de su encasillamiento. Aquí, uno de los trucos favoritos es el de esconder la belleza natural, el glamour y la elegancia de la actriz, como si el simple hecho de renunciar a aquello que le ha otorgado el éxito bastase para validar todo un trabajo. El segundo modelo es el de una actuación estridente que haga llamar la atención sobre una película menor, independiente. Acostumbra a ser la única nominación que recibe la cinta, que nunca será recordada por ninguna otra cosa

Hace un par de años, esos dos modelos de actuación, con bastantes matices, se batieron en duelo en la ceremonia de los Oscar. Aquella vez la Julia Roberts de Erin Brokovitch le ganó la partida injustamente a la soberbia Ellen Burstin de Réquiem por un sueño. El año pasado ganó Nicole Kidman en su irreconocible interpretación de Virginia Wolf en Las Horas (primer modelo). Antes Hilary Swank había conseguido el único Oscar para Boys Don't Cry en su papel de chica que se hace pasar por chico (segundo modelo). Y así hacia atrás, encontraríamos pocas excepciones. Este año ambos modelos confluyen en una única persona, Charlize Theron.

Monster es una película fabricada para el lucimiento de Charlize Theron, también productora de la película. Elemento central del tramado narrativo, el personaje interpretado por Theron es el único construido como personaje con autonomía propia (Aileen Wuornos, prostituta convertida en asesina múltiple en su afán por alcanzar una vida placentera al lado de su nuevo amor Selby-Christina Ricci). Todo lo demás funciona como comparsa, satélites que participan en mayor o menor medida en la construcción del personaje central. A partir de ahí, Theron construye un personaje que funciona mediante la ostentosa exteriorización de todas sus sensaciones, emociones e impresiones interiores. Sin contención, apoyándose continuamente en una larga serie de tics que forman el armazón de su actuación, Theron demuestra poco riesgo, acomodada sobre los fundamentos con los que se alcanza el éxito: lo llamativo y lo estridente, el trazo grueso.

Numerosos son los defectos que debilitan el resultado final de la película. El más nocivo para el equilibrio entre pretensión y resultado obtenido, es la enorme estacionalidad de la que adolece la trama del filme. La película parece querer dar cuenta de la evolución de un personaje que lucha por una supervivencia asociada a un ideal de felicidad amorosa, pero desde el momento en que se presenta el planteamiento inicial la narración se estanca y funciona a base de golpes narrativos cuya intensidad dramática no se concreta en ningún progreso narrativo. Tampoco es agradable comprobar la facilidad con la que el filme cae en un dramatismo forzado cuyos contrapuntos (basados en la ingenuidad de la pareja protagonista) carecen de toda verosimilitud.

Monster es una película que presenta el sospechoso aspecto de un producto prefabricado. La receta: basada en una historia real, actriz guapa afeada que interpreta un personaje afectado, Oscar casi asegurado... Su consumo no dejará secuelas, el olvido rápido será un feroz bálsamo tranquilizante. David Ramírez

Scary Movie 3

La película Scary Movie 3, que ha sido vista por más de 1.000.000 de espectadores desde su estreno el 7 de abril, recaudando 3,1 millones de euros en su fin de semana de estreno en las 400 salas en las que se proyectaba. La película se ha colocado en el primer lugar en el ranking de recaudación de este fin de semana, superando a La Pasión de Cristo.
Sinopsis:La reportera Cindy Campbell (Anna Faris) parte en busca de su gran noticia. Pronto descubre la extraña existencia de criaturas amenazadoras para el planeta: invasores alienígenas, cintas de video asesinas, anormales círculos en los cultivos, profecías, niños de ojos siniestros, ambiciosos raperos blancos... Frente a conspiraciones de proporciones masivas y a un conjunto de personas extrañas a su alrededor, Cindy debe luchar para evitar que el mal se apodere del mundo.
Personalmente esta película creo que supera con creces a las otras dos partes anteriores, gran papel el de Charlie Sheen y a pesar de ser corto también el de Leslie Nielsen. No se puede parar de reir desde el primer minuto hasta el último, sin duda si quieres pasar un buen rato es una buena peli. alex melgares

Lost in translation

Sinopsis:
Bob Harris y Charlotte son dos americanos en Tokyo. Bob es una estrella de cine que ha venido a rodar un anuncio de whisky y Charlotte ha venido a acompañar a su marido, un fotógrafo adicto al trabajo.

Insomnes, Bob y Charlotte se cruzan una noche en el bar de su lujoso hotel. De este encuentro casual surge una sorprendente amistad. Los dos vagan por Tokyo, tienen divertidos encuentros con sus habitantes y acaban profesando una nueva fe en las posibilidades de la vida.

Rodada por completo en escenarios naturales del Japón, Lost in Translation, de Sofia Coppola, es una carta de amor a la "amistad" y a la ciudad de Tokyo. A partir de un guión original, Coppola explora esas inesperadas relaciones que a veces entablamos y que pueden no durar, pero que recordamos para siempre.

Contraste cultural:
Una escena de la película de Sofía Coppola.
Sofia Coppola introdujo elementos autobiográficos en su guión. Cuando tenía veintipocos años vivió temporadas en Japón: ha experimentado el sentimiento de soledad que asalta en la habitación de un hotel. «Charlotte y Bob están en extremos opuestos, pero su situación es comparable. Ella acaba de casarse; él lleva casado muchos años. Viven una crisis personal similar que se ve exacerbada por estar en el extranjero. Tratan de encontrar el sentido de sus vidas. Yo siempre hago lo mismo en mis viajes; sólo pienso en ese tipo de cosas cuando estoy lejos de casa».

Al igual que el personaje de Bill Murray, Francis Ford Coppola también ha hecho publicidad en Japón, una lucrativa tarea a la que se apuntan todos los astros de Hollywood. A Sofia le producían cierta extrañeza las vallas gigantes con Brad Pitt o Harrison Ford anunciando café. Ella misma experimentó el contraste cultural mientras promocionaba ‘Las vírgenes suicidas’. «Daba entrevistas en el Park Hyatt. Yo respondía con frases muy cortas, mientras que mi traductor se pasaba minutos y minutos traduciéndolas. Me pregunté si se estaba inventando las respuestas. Luego me dijo que el japonés es una lengua diferente y más formal que el inglés».

‘Lost in Translation’ refleja a la perfección el asombro cotidiano del extranjero en Japón. Bill Murray no entiende nada ni a nadie: las duchas están diseñadas para enanos; los bares se asemejan a naves espaciales; las máquinas del gimnasio son enigmas; los japoneses, extraterrestres. Los mejores momentos cómicos pertenecen a su desencuentro con la realidad circundante. Es Jacques Tati en el país del Sol Naciente.

Tokio es el tercer personaje de la película. Coppola captura los violentos neones de la noche y su cara más serena. El director de fotografía Lance Acord utilizó celuloide de alta velocidad, que permitía rodar casi a salto de mata, sin focos y en escenarios reales. El buen ojo para la música que la directora demostró en ‘Las vírgenes suicidas’ le llevó a convencer a Kevin Shields, del grupo My Bloody Valentine, para que aportara las primeras canciones que compone en lustros.

Nada mejor que ver desafinar a Murray en un karaoke ‘More than This’, de Roxy Music, para entender la melancolía y el romanticismo que destila ‘Lost in Translation’. Tras rodarla, Sofia Coppola se separó del realizador Spike Jonze, al que muchos reconocieron en el personaje del fotógrafo que pasa de su chica. Los exorcismos personales siempre son dolorosos.

Para mí es un gran film con argumento creativo pero escaso al haber multitud de imágenes que expresan quizá los sentimientos de los protagonistas y sus sensaciones ante lo externo, como cuestión..., ¿qué coño le dice Scarlett Johanson a Bill Murray a la oreja al final de la película?, la pregunta del millón y sin duda que hace que el espectador pueda imaginar lo que quiera en ese momento. alex melgares

La Pasión (Mel Gibson)

Sinopsis: La Pasión es una pelicula dirigida por Mel Gibson, e interpretada por James Caviezel en el papel de Jesus de Nazaret. Esta pelicula tan esperada cuenta sus últimas doce horas, desde el momento que acude al Monte de los Olivos hasta la Última Cena, donde es traicionado por Judas (Luca Leonello), siendo arrestado y llevado a Jesusalén para ser juzgado y condenado por los fariseos. Jesús es llevado ante el Gobernador de Palestina, Pilatos (Ivano Marecotti), quién pone la decisión en manos del pueblo, dandole la opción de elegir entre liberar a Jesús o al asesino Barrabás. El pueblo lo condena con la muerte y debe sufrir además de humillaciones y castigos, ser crucificado. Allí se verá ante su última tentación, el temor de ser abandonado por su Padre. Este filme tan polémico y controversial está filmado en idiomas originales, arameo y latín.

A nivel personal retrata a la perfección lo escrito en la biblia acerca de este profeta con una perfección casi sublime y sobre todo realista, os la recomiendo pero eso si, mejor no comer palomitas en algunas escenas. alex melgares